文／吳怡銘, PMP

「跟音樂在一起的時候，是一個人人生中最寶貴的時刻。」輔仁大學音樂系講師李婉菁如此說，而她作為音樂人有義務，也有責任把這個時刻搞定。多次獲得國際音樂獎項，同時亦為國內知名音樂策展人，此次現身說法，分享音樂策展專案的精髓。

步入牯嶺街小劇場，即將上演的劇碼《（今晚，還有誰）去大馬士革 》正在如火如荼地進行彩排。音樂顧問李婉菁靜靜在旁聆聽，見她陶醉其中的神情，讓人不由得跟著她的目光往舞台移動。此際，演員們用歌聲唱出如回憶的肖念，用歌聲道出離情的涕泣，那股牽動靈魂的感動打從心裡溢了出來。

以電腦音樂作品〈扮仙〉獲邀於德國聲音研討會首演（klingt gut! Symposium on Sound）與紐約樂評人Jean Ballard Terepka青睬的作曲家李婉菁，音樂型式跨越古典、電子異響、重金屬搖滾等，說起話來輕柔具條理，很難想像早年還當過閃靈樂團的鍵盤手，她笑著說，當年我可是重複彈奏巴哈的賦格（Fugue）一萬次的音樂系高材生，多次幾乎為傳統音樂失去感覺時，適巧接觸了電腦音樂與流行的程式語言，著迷不已因而踏上電音，一路下來，音樂之路如魚得水。所以，每當年輕學子對於人生迷茫時，她總不吝舉著自己的真實案例，並勉勵「音樂夢，要勇敢追！」

靈感乍現，音樂專案逐步成形
說著，李婉菁與讀者分享〈扮仙〉的創作靈感，源於一個美麗的午后，當時整理一些沒用到的音樂段落，一邊聽著愈發悅耳，鑼聲的節奏分明，備感親切。細想之下，原來高中時期，曾居住在台南的廟宇附近，時常有八家將陣頭與北管練習的聲音，讓她煩躁不已，卻不料這些音符早已深植腦海之中。

「有時靈感，著實是天外一筆。我從音樂中思索著故事的可能性，一名八家將少年的清醒夢境。深夜廟會後，八家將少年入了夢境，在夢中持續跳著陣勢，無法停止，直至成仙。」李婉菁說，「於是利用5.1聲道環繞音響系統，藉此表現出八家將在廟會陣頭中的氣勢與聲響。取樣的鼓聲在特殊處理後從不同方向疊入，形成不同層次的聲音組合，時而交錯，時而結合，時而各自獨立，代表著八家將少年在夢中神遊於不同的空間與世界，特別使用了台灣道士使用的手鑼取樣音色，呈現於不同聲音變化模組中，融入安神的元素，並藉以與陣頭的勇猛相對比。」

後來，〈扮仙〉在國外發表時，包括美國、德國等，外國人都陶醉其中，稱讚台灣音樂的獨特性與張力，「能夠讓家鄉的音樂帶出門，我覺得意義非凡、十分榮幸。」李婉菁感動地說。

尋找與大眾共鳴的連結點
從事音樂策展長達數十年，李婉菁對於作品的要求頗有一套想法。她分享，很多時候音樂作品是觀眾比較陌生的市場狀況，但站在策展人的立場，若已能確認並感到作品的好以及迷人之處，就有必要去為這則作品發聲，協助其與觀眾找到最合適訴說的連接點。

「當一個作品來到我面前並感動我時，那種責無旁貸，會讓人不自覺想為它找到合適的發展，有時候，我們可以從如是的歷程檢視良窳，去了解值不值得花心力去策展。當然作品並非百分之一百完美，過程中和創作人做更深入的溝通、探討，將最有意義的部分提煉出來，亦可更確認一件作品在整個策展中最合適的角色。」李婉菁說明。

也因為多年推動劇場不遺餘力，李婉菁總有說不完的故事，「很幸運能在劇場的環中，發展現代音樂的創作與演出。」而且劇場的可貴不僅是充滿多元的演出，更重要的是它處於現場的第一線，經常給自己更多創作上的發想與機會，加上能與不同藝術家對話，「某種程度，劇場賦予我許多養分，協助我策展、發表作品，乃至獲得國際發表的機會。」

掌握現場促演出如質呈現
「我念茲在茲的是，劇場的『現場』，造就音樂不只是音樂，是跳脫框架的音樂，成就了不同的藝術面向，不同的聽覺洗禮得以呈現給觀眾。」李婉菁感性地說，「我不敢說自己能帶給觀眾心靈上的滿足，但我想有一部分，的確使他們感受到不同的力量，體會藝術聆賞上寬廣的境地。」

為了讓每一次演出都能如實呈現，李婉菁和團隊下了很大的功夫，尤其是場域的方面，「現在音樂作品不管是在音樂廳、劇場，還是一般展場，並不像在自家工作室、錄音室或者琴房，因此突如其來的問題在在考驗演出者的智慧。」

通常會面臨到比較大的困難是，要花很多時間調整，包括樂器、麥克風、喇叭等位置，而為能逐步完善這些問題，在劇場與展場會以「進排」的方式來解決，在演出前的一週或是更多天前，請演出團體進駐，空間不做另外安排，每日都可以彩排，過程如果有問題可以及早發現，及早解決。

「不過還是會遇到無法進排的情況，或是僅能在前一晚或是演出前幾小時中摸索。」李婉菁說，「這樣的狀況並不少見，在熱門的場域地點經常發生，要靠著多方面持續溝通，才能掌握現場狀況，將問題在短時間解決，才不致讓藝術家或觀眾有著扼腕的情況發生。例如到國外演出或是策展，一定不可能有足夠的時間，必須關注每一個細節並逐步記錄，讓演出能順利進行。」

與觀眾溝通的法寶：以身親近
儘管如此，對於現代音樂作品來說，最重要的還是聲音的呈現，如同前文所說，場域的問題會影響著演出者，同樣亦會影響著收、放音。

李婉菁說，即便到今日，早已擁有豐富的策展與表演經驗，我還是習慣準備多個版本的混音，差別約是高頻與低頻殘響上的比重不同，給作品一些彈性以因應突發狀況。「面對事前無法測試的硬體時，比須保持冷靜，最好的狀況當然是立刻解決；其次為有所妥協；再不然也必須適當告知觀眾，在相互理解下，還是可以呈現出一場賓主盡歡的展演。」

而如何能讓音樂、表演、觀眾都能感受到舞台上傳達的魅力，李婉菁簡單扼要地回應四個字：以身親近；通常必須將自己擺放在演奏者（演出者）與觀眾的位置，從頭到尾想一遍。舉例來說，當觀眾看到節目單文字時，心裡會想什麼？又好比當演奏者在舞台上怎麼將作品發揮到最佳狀態？演奏者有沒有把觀眾帶好，面對現代音樂作品，他們有沒有被感動？

除了換位思考，李婉菁力行規劃節目單上的內容與設計細節，將演出或是展覽的文字加以解釋，「讓觀眾主動理解作品的意義、創作的脈絡與過往累積的努力，我認為非常重要且必要。」

不設限，藝術優游於人心
這幾年，李婉菁熱衷在國內不同城市舉辦電音創作工作坊，在每一次接觸不同學員中，總有新的體悟和領會。她告訴我們印象最深的事，莫過於某次在台南，原本因為報名人數不足想作罷，卻不想澆熄大家想了解電音的心，結果竟然有學員在幾個小時的工作坊完成作品，並同年獲選國際展演。當年許多專業人士都還不見得可以入選，屢屢印證每個人心裡都有個音樂夢，而勇敢追夢的人是精彩的。

至於國內音樂藝文活動更需什麼配套，李婉菁不假思索地建議，展演場所定點駐村，而且是極盡可能地結合當地人事物設計的駐村，「這會是生活上、文化上長時間融合的過程，特別是針對展演場所的既有硬體，而能給予長時間的創作期，讓音樂家的作品能以醞釀出該地域性的獨特，進而與普世價值相連結。」

談至此，李婉菁拋出一個議題，在過去的國民教育中，使我們很容易對人事物做分類，比方說經常有人會問我，「彈奏的作品是屬於『現代音樂』？還是『實驗音樂』？」答案兩者皆然，都是另一些藝術創作的可能，「一些朋友常說我的作品是『聲音的雕塑』，不論如何，欣賞藝術的不設限精神應是大家能多多培養的。」

「機會就是給準備好的人！」李婉菁分享自己的座右銘，並以康丁斯基（Wassily Kandinsky）名言：「There is no “must” in art, because art is free.」共勉，對她來說，「跟音樂在一起的時候，是一個人人生中最寶貴的時刻。」而她作為音樂人有義務，也有責任把這個時刻搞定。